MDM habla con Francine y Jens, dos productores (DE INGLATERRIA Y LAS ISLAS FEROE RESPECTIVAMENTE) que juntos conforman ORKA, uno de los proyectos más interesantes de la electrónica
Tenemos el placer de compartir contigo la entrevista que le hicimos recientemente al dúo nominado dos veces para el Premio de Música del Consejo Nórdico, ORKA; conformado por Francine, la directora musical de Romy XX, y Jens, quien ha producido instalaciones de arte sonoro para el Southbank Center y el túnel Eysturoy, además de ser Productor del año en los Premios de la Música de las Islas Feroe.
En este nuevo conversatorio, hablámos con ellos sobre el lanzamiento de su nuevo álbum «All At Once», la amistad y relación como músicos de más de 10 años que llevan, sus tecnologías favoritas a la hora de crear nuevos materiales, la escena rave en las Islas Feroe, el pasado, el presente y el futuro de ORKA, y mucho más.
DESLIZA PARA LEER LA ENTREVISTA
Hola, Francine & Jens, muchas gracias por brindarnos el tiempo para la entrevista. Nos gustaría entrar de lleno a preguntarles sobre su nuevo álbum, pero el público siempre quiere conocer antes a los artistas detrás del disco, entonces, ¿cómo llegaron a conocerse y en qué momento decidieron trabajar juntos como ORKA?
Nos conocimos en Londres. Después de un par de años de explorar una configuración en solitario, Jens estaba buscando un batería que le acompañara en el escenario y Jón Klæmint de Tweed & Hyenas y Rutger Hauser le recomendaron a Francine. La primera vez que nos vimos fue en nuestro primer ensayo. Congeniamos al instante, empezamos a tocar como ORKA y seguimos trabajando juntos desde entonces.
Han pasado un poco más de 10 años desde que lanzaron su primer álbum, durante todos estos años, ¿qué nos pueden decir de la experiencia de trabajar como dúo en la creación de sencillos y LPs y los espectáculos en vivo? ¿Cómo organizan o gestionan su tiempo para ORKA con sus proyectos propios y vida personal?
Tocamos juntos en directo durante unos años antes de decidirnos a empezar a componer juntos. Una de las preguntas centrales que hemos intentado responder desde el principio de nuestra relación laboral es «¿Cómo interpretas la música electrónica?«. Hemos reflexionado sobre esta pregunta desde el principio y a lo largo de los años hemos desarrollado una forma de arreglar y tocar música electrónica que nos parece significativa y con sentido.
Cuando tocamos en directo, reproducimos todo lo que oye el público, lo que hace que nuestros conciertos sean muy intensos. Nos jugamos mucho y dependemos mucho los unos de los otros. Si nos equivocamos, lo notarás.
Siempre será un acto de equilibrio sacar tiempo para otros proyectos. A los dos nos gusta producir y tocar en directo con otros artistas; Francine sale de gira con Romy de The xx y Jens con Yann Tiersen, y los dos tenemos proyectos en solitario. Pero creemos que todos nuestros proyectos funcionan en simbiosis y se alimentan e informan mutuamente como elementos de una estructura.
Para cada uno: sabemos que la identidad musical está precedida por fases de aprendizaje, auto-encuentros, y a menudo, emulando a otros, ¿Cómo describirían todo el proceso que vivieron para dedicarse al estilo musical que hoy disfrutan crear y tocar? ¿Cómo definirían su música?
Los dos venimos de bandas en las que tocábamos instrumentos. Al madurar, empezamos a centrarnos en la producción y a prestar atención al sonido y al timbre tanto como a la melodía, la armonía y la estructura. Algunas canciones las escuchábamos solo por un sonido que nos llamaba la atención y nos hacía volar la imaginación. Esto nos llevó a la música electrónica, donde la producción desempeña un papel crucial.
Al producir música electrónica, cada pieza de una melodía puede diseñarse desde cero y puedes tratar tus arreglos como un lienzo en el que crear obras de arte sonoras.
Nos sumergimos en la escena londinense de la música electrónica en busca de nuevas expresiones y nos fascinó cómo la música de baile puede tener la capacidad de hacer que la gente se mueva. Aparte de las fiestas y las noches de club, el Carnaval de Notting Hill ha sido una gran influencia en la forma en que hemos experimentado la importancia de la música electrónica y la cultura de los sistemas de sonido.
Nuestra música es el testimonio de nuestros viajes musicales hasta ahora. Tocar en grupos nos enseñó a ser músicos y nos ayudó a entender la interacción entre músicos y a colaborar con nuestros compañeros a la hora de componer y arreglar canciones. Al mismo tiempo, nuestros graves se han inspirado en la cultura de los clubes y los sistemas de sonido, mientras que nuestra sensibilidad sónica ha sido moldeada por los muchos artistas y culturas que hemos explorado a lo largo de nuestras carreras, así como por los muchos experimentos que hemos realizado. Vemos nuestra música como curiosa y exploradora, pero al mismo tiempo orbitando alrededor de un núcleo que ha estado ahí desde el principio.
Con los años, la experiencia y el conocimiento nos permite encontrar herramientas ideales y armar conjunto de equipos que nos agradan para crear música, en el caso de ustedes, ¿Cuáles consideran que son los programas, tecnologías e instrumentos esenciales para sus producciones de hoy en día?
Pro Tools se ha convertido en una herramienta esencial para crear nuestros álbumes. También utilizamos otras DAW, como Live y Logic, para componer partes y, a veces, lo sacamos todo de Pro Tools y lo exportamos a otras DAW durante un rato para luego importarlo todo de nuevo a Pro Tools.
Lo que nos gusta de Pro Tools es que es esencialmente un sampler elaborado. A menudo se critica a PT por ser demasiado rígido, pero eso es al mismo tiempo parte de su fuerza. Se puede utilizar como un enorme lienzo sobre el que pintar con sonido. Tendemos a concentrarnos en los sonidos y luego seguimos trabajando en ellos y moldeándolos. Esto nos ayuda a mantener la concentración cuando trabajamos en nuestras sesiones, a la vez que avanzamos.
Cuando se trata de instrumentos, a menudo tendemos a centrarnos en una pieza del kit más que en otras en nuestros álbumes. Mientras que en nuestros dos últimos álbumes utilizamos el clásico Roland Juno 106 y el Sequential Circuits Prophet-5, para éste nos sumergimos de lleno en el Roland JD-800. Sentimos un gran amor por los primeros sintetizadores digitales, siendo el Roland D-50 uno de nuestros favoritos, que exploramos en el álbum Leipzig de ORKA.
En la época en que se lanzó el JD-800, los sintetizadores digitales solían tener un control práctico limitado. El D-50 y el Yamaha DX7 eran ejemplos clásicos en los que los fabricantes habían reducido los controles a lo más básico y los sintetizadores requerían una gran cantidad de menús para programar sonidos. El JD-800 cambió esta situación al añadir un controlador virtual para todos los aspectos del sintetizador. Está repleto de controladores y deslizadores que lo hacen muy táctil e intuitivo, y tiene un aspecto increíble.
El sonido es muy parecido al del D-50, pero la disposición te hace sentir como si estuvieras sentado frente a una pieza de tecnología alienígena; como si estuvieras en una película de ciencia ficción de los 90. Añadía un ligero brillo digital para yuxtaponer los graves pesados y orgánicos del disco.
Antes de adentrarnos en el mundo de «All At Once», no quiero perder la oportunidad de preguntarle a Jens, ¿Cómo se encuentra actualmente la escena rave en las Islas Feroe? ¿El dedicarse a hacer música electrónica, es algo común entre los jóvenes de ahí o no?
Aunque la escena es pequeña, hay algunos clubes en las Islas Feroe, sobre todo en la capital, Tórshavn. Dependiendo del club y de la noche, los DJ suelen pinchar de todo: house, techno, disco, hip hop, charts y clásicos. Mi amiga Sunneva, que hoy regenta un puñado de establecimientos, entre ellos el legendario bar Sirkus Föroyar, organizó raves en los años 2000.
Estos eventos tuvieron un gran impacto en la escena. Tenía una residencia en un local, pero a menudo también organizaba eventos en otros lugares, como al aire libre, en un antiguo fuerte, en salas de máquinas o en edificios industriales. Estos eventos dejaron una huella imborrable en la cultura de los clubes y las raves de las Islas Feroe, y fueron decisivos para el surgimiento de toda una generación de nuevos DJ y artistas electrónicos.
Sunneva sigue muy activa, y muchas otras personas también organizan eventos. Justo antes de ir a Londres para tocar en el estreno de ORKA, fui a Gender Bender, una noche de club queer superdivertida organizada por el Festival Internacional de Cine Minoritario de las Islas Feroe, y hace poco toqué en la recurrente noche de izquierdas Ravlitt. Dirijo un sello llamado Kervið en el que también participa Sunneva y también organizamos fiestas con regularidad, a menudo para celebrar un lanzamiento. La escena es pequeña, pero al mismo tiempo muy activa.
Cuando alguien ve la portada del álbum «All At Once», siente curiosidad de saber de quién o quienes son el rostro, y el mensaje detrás de los colores, la mirada intensa y demás, ¿En resumen, qué representa la portada?
En realidad son nuestras dos caras juntas y puede verse como un reflejo de nuestra relación laboral. Cuando tocamos en directo, reproducimos todo lo que escucha el público, lo que hace que nuestros conciertos sean muy intensos. Nos jugamos mucho y dependemos mucho el uno del otro. Si metemos la pata, te darás cuenta.
Cuando empezamos a escribir juntos, esta dependencia afectó a nuestra escritura. Los dos hacíamos todo al mismo tiempo y teníamos las manos metidas en las ideas y partes del otro. Estamos seguros de que no hay un solo sonido en el álbum que no hayamos tocado o cambiado los dos en algún momento.
Trabajamos como una sola entidad, hasta el punto de que a menudo olvidamos quién hizo qué. Kirstin Helgadóttir lo ha plasmado a la perfección en la ilustración del álbum. Hicimos fotos de nuestros rostros y Kirstin los fusionó en un ser fluido que somos los dos y ninguno de los dos al mismo tiempo. Nuestro rostro combinado capta de algún modo todo el espectro de géneros, así como todo el espectro de colores.
Un nuevo álbum representa normalmente el inicio de una nueva etapa para un artista, grupo o banda, ¿En qué momento/etapa del proyecto ORKA llega «All At Once»? ¿Cómo describirían todo el tiempo que les tomó crear este disco?
Escribimos el álbum a lo largo de cuatro años que también resultaron trascendentales a escala mundial; no sólo por la pandemia, sino también por los conflictos políticos locales e internacionales y las luchas por los derechos humanos. Y el álbum trata de esto, de todas las cuestiones que nos afectaron y de cómo afrontamos la vida en esos tiempos. Esto también se refleja en la portada, que además de nuestra relación de trabajo y estructura mencionadas anteriormente, también describe el entorno maximalista y amalgamado en el que hemos creado nuestro nuevo disco, llamado acertadamente «All At Once».
El álbum es como una cornucopia que hemos llenado durante los últimos cinco años y que ahora está rebosante. Las dos últimas semanas hemos estado adaptando el material para tocarlo en directo y fue increíblemente satisfactorio tocarlo ante el público de Iklectik, en Londres, la semana pasada, con motivo del lanzamiento de nuestro álbum. Ahora estamos impacientes por salir de gira con el álbum. Sin embargo, mientras trabajábamos en «All At Once» también lo hicimos en otro montón de material. Nuestro próximo álbum ya está en marcha y esperamos publicarlo el año que viene.
«All At Once» es posiblemente el disco más bailable que han hecho hasta la fecha, ¿Por qué decidieron que sea así? Escuchando aleatoriamente, «Millennium Green» es ambient y «Mother» se acerca a la electrónica nostálgica de los 90, ¿Cómo describirían esta diversidad que se expande en todo el álbum?
Nos surgió de forma muy natural. A los dos nos fascina cómo la música puede hacer que la gente se mueva; hay algo intrínsecamente optimista en facilitar o hacer que la gente baile. A nosotros también nos gusta que nos seduzcan para que nos movamos y nos resulta muy gratificante poder hacerlo con los demás.
En nuestra opinión, la música ambiental y la música de club no son categóricamente diferentes. Ambas nos llevan a un estado meditativo, pero por medios diferentes y con distintos niveles de intensidad. Al mismo tiempo, nuestras composiciones suelen ser música ambiental con ritmo. Si se quita la percusión, a menudo queda un paisaje sonoro ambiental. Otra de las razones por las que nuestra música es tan diversa se remonta a nuestro lado explorador. Nos gusta ser curiosos y experimentales, más que fieles a un género concreto.
Por más de 10 años, han construido una sólida relación como artistas bajo un mismo proyecto musical, ¿Qué mensaje le darían a aquellos que como dúo, recién están comenzando en la industria?
Mantente fiel a tu esencia. El sector está lleno de gente increíble, de verdad. Cuando recordamos nuestras carreras, se nos dibuja una sonrisa en la cara. Los momentos de alegría que hemos pasado haciendo arte con gente a la que queremos han dado sentido a nuestras vidas.
Pero también somos conscientes de que el sector puede ser muy competitivo y, a veces, implacable. Muchos se encuentran en circunstancias precarias, ya que lleva tiempo desarrollar su carrera hasta un punto en el que obtengan beneficios, por no hablar de ganarse la vida. Un paso en falso puede tener un impacto enorme y para muchos no hay red de seguridad.
Las presiones a las que se ven sometidas muchas personas del sector conducen en muchos casos a problemas de salud mental y, en algunos casos, a la automedicación. También hay tanta administración y, en general, tanto trabajo que es fácil perderse y olvidar por qué uno empezó en este sector. Pero si te mantienes fiel a tu esencia y tus intenciones permanecen intactas, puedes encontrar mucha belleza y significado, y hacer una carrera larga y fructífera en el sector.
Finalmente, en MDM creemos que la verdadera esencia de la música electrónica está en los artistas independientes, aunque de todas formas, no está mal que algunos decidan cambiar drásticamente y perseguir un Top 1 en Billboard. Para ustedes, ¿Cuáles son esas razones que les hace mantenerse innovando y creciendo dentro del territorio musical en el que se encuentran actualmente?
Si la alternativa a la innovación es el estancamiento, eso explicaría por qué queremos seguir siendo curiosos. Queremos creer que los humanos somos cada vez mejores, que aprendemos de nuestros errores y crecemos. No creemos necesariamente que nuestra música vaya a cambiar el curso del mundo, pero al menos podemos formar parte del discurso. Y si no a nivel mundial, podemos seguir contribuyendo en nuestros entornos locales e intentar marcar la diferencia.
Escucha a continuación el álbum completo «All At Once» de ORKA en Spotify.
Nicolas Bernachea | MDM Founder
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