Los cuatro artistas nos hablan sobre la experimentación, el instinto creativo y por qué un sello como Lumière Noire no necesita un sonido único para tener identidad
Con cuatro productores: AWIR, Clément ASWF, Don Turi y Neurotypique, cuatro lenguajes creativos distintos y sin necesidad de encontrar un punto medio. En «Flash Vol. 3«, Lumière Noire de CHLOÉ sigue construyendo su identidad no en torno a un género único, sino en torno a un interés compartido por la experimentación, la atmósfera y la libertad artística.
En esta tercera entrega de la serie Flash del sello, que sale el 18 de septiembre, los 4 músicos muestran 4 direcciones de la electrónica. AWIR se inspira en una práctica multidisciplinaria que abarca soul electrónico, música de club y dance; Clément ASWF aporta su experiencia de +30 años que se remontan a los inicios de la cultura rave francesa; el baterista y productor Don Turi explora el potencial hipnótico del ritmo, repetición y la moderación, y Neurotypique se mueve entre la síntesis modular, el diseño gráfico y la experimentación audiovisual.
Esas diferencias se perciben en todo el recopilación
‘Hatsukoi’ de AWIR transforma sus ideas del gqom en un rápido e hipnótico encuentro entre el minimal y el techno, Clément ASWF mueve ‘Music Is A Stranger Without A Name’ entre el electro downtempo analógico y deep house, Don Turi reduce ‘Time Signature’ a un techno espacioso y controlado, y Neurotypique va más allá de las estructuras convencionales de los clubes en ‘The Gates’ con ritmos entrecortados, un ambiente melancólico y experimentación.
Sin embargo, al escucharlas juntas, las cuatro pistas no se perciben como inconexas. En lugar de pedir a sus artistas que se ajusten a un sonido predeterminado, Lumière Noire situa su identidad en la curaduría, curiosidad y libertad que les brinda para seguir sus propias ideas.
Entonces, ¿qué es lo que realmente hace que un V/A se sienta como parte de un sello cuando el género ya no es el factor definitorio? ¿Y puede un sello desarrollar una firma reconocible sin desarrollar un sonido singular? Con "Flash Vol. 3" como punto de encuentro, reunimos a AWIR, Clément ASWF, Don Turi y Neurotypique para conversar sobre la experimentación, el instinto creativo, la relación entre sonido e imagen, y los procesos detrás de sus piezas y más.
Todos ustedes llegan a "Flash Vol. 3" desde rincones muy diferentes de la música electrónica. Cuando dejan de lado las etiquetas de género, ¿cuál es la cualidad o la sensación que, personalmente, siempre buscan al crear música?
AWIR: Busco algo que se sienta único, como si hubiera incluso un pequeño detalle ahí que no haya escuchado antes. No me hago ilusiones de crear cosas 100% nuevas, pero tiene que darme la sensación de que he encontrado algo. También creo que me gustan las canciones con mucha personalidad. Puede que no te gusten, pero no puedes decir que sean al azar.
Clément ASWF: ¿Tratar de ser uno mismo? Más bien ser uno mismo de una manera diferente cada vez. La esencia misma de la música electrónica consiste en rechazar las convenciones y los formatos, y eso nos brinda una increíble libertad creativa. Rechazamos los cánones de belleza que otros intentan imponernos. Cuanto más extraño e íntimo es, más me encanta.
Don Turi: Cuando compongo música, lo que me interesa es partir de algún tipo de material sonoro que me sorprenda; algo inesperado que me abra un mundo imaginario ligeramente nuevo. Y necesito que esa sensación perdure en el tiempo. Por eso, suelo dejar estas ideas a un lado por un tiempo y volver a ellas mucho más tarde, a menudo en situaciones diferentes.
Puedo escucharlas en el estudio, pero también mientras camino por la calle, a altas horas de la noche, temprano en la mañana o mientras hago otra cosa, solo para ver si ese material todavía me dice algo o si, de alguna manera, la magia se ha desvanecido un poco. Esa es realmente la sensación que busco. Y cuando sigue ahí después de todo ese tiempo, eso es lo que me motiva a seguir adelante con la canción hasta el final y terminar la producción.
La experimentación significa algo diferente para cada artista. ¿Qué significa la experimentación en tu propio proceso creativo? ¿Romper reglas, aceptar los errores, ponerte límites, probar nuevas tecnologías o algo completamente distinto?
AWIR: Para mí, la experimentación significa trabajar en la capacidad de desligarme de la idea de un resultado final cuando empiezo a tocar, y mantenerme desligado durante el mayor tiempo posible, y de la manera más genuina posible, hasta que algo realmente se haya formado. Por el momento, ese es el ejercicio.
Neurotypique: Experimentar es cuando no estoy seguro de que lo que estoy haciendo sea una buena idea. Si ya puedes proyectarte en el resultado y sabes de antemano que va a ser bueno, entonces hay muchas posibilidades de que no haya lugar para la experimentación.
Don Turi: Para mí, la experimentación tiene mucho que ver con romper mis propias reglas y, por lo tanto, con aceptar los errores y los momentos de incertidumbre. No creo que la experimentación sea posible sin aceptar que el proceso puede llevar tiempo y que, durante bastante tiempo, puedas sentir que no estás llegando a ninguna parte.
En mi caso, a menudo significa probar nuevas configuraciones en el estudio: conectar equipos de diferentes maneras, usarlos ligeramente fuera de su propósito original o combinar elementos que normalmente no juntaría. Puedo intentar encontrar una melodía usando un equipo diseñado principalmente para el ritmo, o hacer lo contrario y crear elementos rítmicos con un sintetizador monofónico que normalmente usaría para líneas de bajo.
Al mismo tiempo, me gusta imponerme restricciones. Puede ser un BPM específico, una tonalidad o algo relacionado con la estructura de la pista. Por ejemplo, puedo decidir que quiero que una pista tenga una duración determinada sin pausas en absoluto; o, por el contrario, con muchas de ellas.
Claro que, durante el proceso creativo, a veces termino cambiando o dejando de lado esas restricciones iniciales. Pero las necesito como punto de partida para darle cierta estructura a la experimentación.
Tu contribución a Flash Vol. 3 tiene un sello claramente propio, pero al mismo tiempo encaja de manera natural en el disco en su conjunto. ¿De dónde surgió la idea inicial para tu tema y cuál fue el primer elemento que te permitió desarrollarla?
AWIR: Definitivamente es una pieza basada en elementos del gqom, pero muy alejada de la forma típica del gqom, supongo. Es más rápida y suena diferente.
¿Podrías contarnos un poco sobre el proceso de producción? ¿Hubo algún instrumento, equipo, muestra o técnica en particular que definiera el tema final?
Neurotypique: El instrumento más destacado del tema es también su base: las ráfagas chirriantes.
La configuración proviene de un concierto que di en 2024 para un espectáculo colectivo de RiCO en la Péniche Antipode de París. Utilizo un Erica Synths Black Hole DSP 2, un módulo multiefectos, en el modo 17, «Havoc Chorus». Cuando subes la retroalimentación, comienza a oscilar, y luego puedes jugar con la velocidad para cambiar el tono.
En «The Gates», envío voltajes aleatorios al control de velocidad, así que cada vez que se activa, el tono es una sorpresa. Toda la pista se graba en vivo en mi sintetizador modular, así que tienes que confiar en que la suerte esté de tu lado y que la aleatoriedad te favorezca.
Lumière Noire no parece interesada en imponer un género reconocible, pero aún así hay algo que hace que un disco se sienta como si perteneciera a su mundo. Antes de contribuir a esta recopilación, ¿qué significaba para ti “un disco de Lumière Noire”?
AWIR: Para mí siempre se ha asociado con mucha libertad musical, así que me identifico mucho con ella como un espacio para experimentar, no para reproducir pistas sin fin. Me alegra que existan espacios como este.
Don Turi: Hoy en día, especialmente en la música electrónica, los sellos suelen tener una identidad sonora muy marcada y estética muy reconocible. A veces es tan reconocible que te preguntas si el enfoque está más en el sello en sí que en el artista que lanza su música a través de él.
Lo digo de manera un poco provocativa, claro, pero también entiendo que, por razones de visibilidad e identidad comercial, los sellos discográficos necesitan mantener un cierto nivel de coherencia.
En el caso de Lumière Noire, sin duda hay una gran variedad de estilos, pero siento que hay una perspectiva similar detrás de cada pieza musical que lanzan, sin importar el artista. Lo que quiero decir es que la música de Lumière Noire siempre es sorprendente e inesperada. Nunca va realmente por donde uno cree que va a ir.
Creo que es un sello que les da a los artistas una enorme libertad estética y, sobre todo, la libertad de experimentar. En ese sentido, realmente pone el foco en los propios artistas y probablemente saca a relucir sus lados más personales y menos convencionales.
Tradicionalmente, los sellos discográficos han construido su identidad, en parte, a través de un sonido reconocible. ¿Crees que un sello puede tener una impronta fuerte sin contar con un sonido singular? Y, de ser así, ¿dónde reside realmente esa identidad?
Neurotypique: Creo que los sellos que no tienen un sonido reconocible son los más valiosos, porque construyen su identidad sobre algo más profundo. Eso podría ser una escena específica, comunidad, instrumento concreto o una forma particular de concebir la música.
Este tipo de sellos siempre ampliarán tus horizontes y te harán descubrir música con la que de otra manera nunca te habrías topado. Aunque tal vez no te guste todo, confías en ellos por la calidad de su selección.
Lumière Noire considera que el arte visual, la narración y la música forman parte de un mismo lenguaje creativo. ¿Qué importancia tiene para ti el mundo que rodea a una pieza musical? ¿Pueden las obras de arte, el movimiento, las imágenes o el entorno cambiar realmente la forma en que escuchamos algo?
AWIR: Sí, creo que todos estos elementos pueden afectar la forma en que escuchamos una pieza musical, sin duda. Somos seres que vivimos de las experiencias y, como creadores, nuestro papel es brindar a la gente la experiencia más completa que podamos ofrecer.
Don Turi: Creo que en la música popular actual, la forma en que el público se identifica con una figura central, cantante o intérprete, es sumamente importante. Esa persona encarna la música de cierta manera e, inevitablemente, influye en cómo el público recibe la música.
La música electrónica suele ser instrumental, y a veces el artista puede quedar oculto detrás de la música. Como resultado, no siempre hay una presencia visual fuerte ni un rostro asociado a ella. Por eso creo que el arte y las imágenes pueden ser muy importantes para ayudar al oyente a encontrar un cierto ángulo desde el cual acercarse a la música. Realmente pueden cambiar la forma en que la recibimos y la experimentamos.
Hoy en día, vemos la música casi tanto como la escuchamos. No lo digo como una crítica, y no quiero adoptar una postura nostálgica del tipo «antes todo era mejor». Al contrario, creo que podemos aceptar esa realidad y usar las imágenes como otro medio para reforzar o ampliar algo que ya se está expresando a través de la música.
Neurotypique: Esta es una opinión controvertida, pero si pensara que es malo juzgar un libro por su portada, no me habría dedicado al diseño gráfico. Selecciono la música que escucho al 100 % basándome en la portada.
La musica siempre tiene un aspecto visual; la pregunta es: «¿Quieres encargarte de eso?». Las imágenes y los elementos visuales no se limitan a lo que está impreso en el cover. Si decides no incluir visuales ni luces durante tu show, también constituye una elección visual esencial. Todo lo que ves, oyes, hueles o tocas en contacto con la música forma parte de, te guste o no.
AWIR, como músico y bailarín, ¿experimentas el ritmo de manera diferente cuando creas algo con tu cuerpo en comparación con cuando estás sentado frente a una máquina? ¿El movimiento jugó algún papel en la forma en que creaste Hatsukoi?
AWIR: Ser bailarín definitivamente influye en la forma en que hago música. Siempre, siempre estoy conectado con el cuerpo, y si lo que estoy creando no me conmueve de alguna manera, entonces no es lo adecuado para mí.
Y eso no significa que tenga que ser necesariamente música bailable. Me encanta la música ambiental, me encantan las baladas; las canciones que no son para bailar también pueden hacer que el cuerpo se mueva mucho.
Awir by Gregoire Korganow
Clément, has sido testigo de primera mano de varias generaciones de la música electrónica francesa, desde los inicios de la cultura rave, pasando por Pulp y Kill the DJ, hasta la actualidad. Al crear Music Is A Stranger Without A Name, ¿percibes rastros de esos diferentes períodos en tu propio universo musical, incluso cuando no estás haciendo referencia a ellos de manera consciente?
Clément ASWF: Puedo sentir las huellas de mis 30 años de carrera en la música electrónica en cada paso que doy, en cada músculo, en mi mente y, por lo tanto, en mi música. Pero no me molesta. Lo llevo en la sangre. Esta música me ha salvado la vida tantas veces.
Chloé me está dando la oportunidad de reabrir ese diálogo con ella y de compartir los fantasmas y espíritus de Pulp que aún nos persiguen un poco.
Clément ASWF
Don, tú eres baterista además de productor de música electrónica, y Time Signature logra mucho a través de la moderación y el groove. ¿Tu comprensión del ritmo como baterista cambia la forma en que abordas la repetición cuando trabajas con máquinas?
Don Turi: El hecho de que digas que logro mucho a través de la moderación y con muy pocos elementos, lo tomaré como un gran cumplido. Sueño con hacer música que pueda llevar a la gente a algún lugar, hacerlos bailar y hacerlos soñar con solo tres elementos, nada más. Desafortunadamente, aún no he llegado a ese punto, pero estoy trabajando en ello.
Bromas aparte, siento un verdadero aprecio por el minimalismo. Tanto como oyente como músico, necesito sentir que todo lo que escucho está ahí por una muy buena razón. Me cuesta mucho aceptar los elementos que parecen estar ahí solo como “decoración”.
Un baterista básicamente puede hacer bailar a la gente con un bombo, una caja y un charles. Y las bandas de punk han conmovido a generaciones enteras con dos guitarras, un bajo, batería y una voz. Esa sensación de lo esencial es algo que realmente me encanta de la música. Existe la idea de que realmente no puedes hacer trampa, de que de alguna manera estás expresando una especie de verdad que pertenece a un momento específico en el tiempo y el espacio.
Obviamente, como baterista, siempre he tenido una relación muy fuerte con la repetición. Siempre me ha encantado y me ha fascinado el estado de trance que puede crear. Y encuentro esa misma cualidad en las máquinas, especialmente porque trabajo mucho con máquinas antiguas que, en realidad, no son tan perfectas. Incluso dentro de la repetición, siempre puedo sentir algún tipo de movimiento en ellas.
Al mismo tiempo, las máquinas me permiten controlar parámetros muy precisos que son mucho más difíciles de manejar cuando estás sentado detrás de una batería. Pero sigo tratando de mantener el instinto físico de un instrumentista en mi forma de trabajar, algo intuitivo, a veces un poco desordenado, casi casual.
Eso me permite sorprenderme a mí mismo, lo que me lleva de vuelta a lo que decía al principio: ese momento de sorpresa es a menudo lo que me da ganas de seguir una idea hasta el final y terminar la canción.
Don Turi
Neurotypique, tus prácticas visuales y musicales se superponen cada vez más, y «The Gates» es un momento bastante cinematográfico. Cuando creas algo así, ¿ves imágenes mientras compones, o el mundo visual surge una vez que el sonido ya existe?
Neurotypique: Esto es interesante porque, aunque yo no tenía ninguna imagen en mi cabeza al componer esta canción, mucha gente describió lo que se les venía a la mente mientras la escuchaban. Mi abuela, por ejemplo, dijo que se sentía como si estuviera esquiando cuesta abajo por una montaña.
Cuando creo una pieza audiovisual —música que va a ir acompañada de imágenes—, esto tiene que suceder durante la composición; de lo contrario, solo estaría creando imágenes para una pieza ya terminada, lo que generaría una relación de subordinación.
Es importante que las imágenes también puedan modificar la música. Puedo escribir una secuencia, luego iniciar las imágenes y aprender de ellas cómo debe ser la siguiente parte de la música. Es un proceso de ida y vuelta. Para mí, esa es la única forma de lograr una pista audiovisual, en lugar de simplemente pegar música e imágenes juntas.
Neurotypique